Burri Fontana Afro Capogrossi. New horizons in the art of the second postwar period.

Villa dei Cedri Museum, Bellinzona
24 March - 2 September 2018
curated by Pietro Bellasi e Carole Haensler

Burri | Fontana | Afro | Capogrossi |

Graphics, multiples, books, drawings and a selection of unique works by Burri, Fontana, Capogrossi and Afro set out a path that replicate the Informal art, which is one of the most dramatic – and sublime – periods in art, both in Italy and internationally. Discussed by many, the Arte povera is a fluid art movement that has developed the freedom of gesture, renouncing to the representation of the subjects because of the crisis developed by the inhuman and brutal History.
At the end of the Second World War, art wonders if it could be plausible and possible to still represent a world whose basic structures of existence and meaning had been shattered under the blow of violence and the pain consequently generated.
Religions, which were monstrously secularised in ideologies of inhumane aggressiveness, spread out an abyss of imaginary universes for the exploration of primigenial elements and epiphanies as gesture, sign, colour, matter and surface. Thus, it is the shape and the shapes freed by “figures” of a world now alien to be rebuilt in a sort of feasible new renaissance: as Giulio Carlo Argan said, the Informal becomes the «response given by art to the inauthentic world imposed on human beings» (Giulio Carlo Argan, 1961).
The works of Burri, Fontana, Capogrossi and Afro illustrate that the expressive declinations of art are not in relationship with aesthetic necessities, ethic needs or collective instances anymore. «The absolute game changer was when we decide to paint, to paint only. […] The artist, who is by now alone, didn’t want to change the world, he just wanted his painting to be a world» (Rosenberg).
Aware of their traditions but in an anti-academic way – Sweeney commemorates Afro as «traditional artist in the best meaning of the word» -, the artists draw a dialectic relationship between the possibility of existence of the shape and the shapeless, the gesture and the sign and the experience and the process, with the aim of reconstructing that shattered world in which the validity of time, space and subjectivity are about to disappear or transform. What comes out of this is different, referential and anarchical, and the divisions among painting, sculpture, graphics and draw is no longer useful.
For all these artists, the graphics had not represented a secondary and collateral activity to the painting, but an independent research, even if sometimes not properly parallel (Afro,in the final part of his itinerary, heads towards lithographic and chalcographic techniques), through which they experimented techniques, established collaborations (for example the historical one with the Castelli print house and with the 2RC), counted on a greater circulation of works and elaborated more deeply the symbol and the gesture as basic elements of poetics.
Graphics works of Alberto Burri and Lucio Fontana remodel the idea of matter and, therefore, of space. The former’s Combustions simulate the effects of fire through the employ of aquatint, etching and engraving. The latter’s works, instead, highlighted by a “pure simplicity”, let emerge a surface and a matter that long for the space. Lucio Fontana, whose central works are on paper, tries to unite the figurative invention with the abstract reduction, constituting the first scene of his holes and cuts.
Giuseppe Capogrossi’s research – utopian, full of variations, but aiming to a conflicting unity – develops around an eternal return: the sign of the trident, which is simultaneously a fragment and a model of infinity, draws a continuum spatiotemporal, progressive and variable. «The particular Capogrossi’s informal had been already conceived as civic and moral instance from the second postwar ruins, in that Rome that had been ‘open city’ … presenting itself as a possibility of an integral reconstruction of human relations themselves. A positive vision, which in the symbol, distilled with patience and obstinacy from the reality of the elations between things, recognizes the possible generative cell of a sequential, modular, iterative direct adhesion to the becoming of life and examining the instants as molecules of actions” (Francesca Pola).
Then there are Afro’s graphics, created since the Fifties, that are composed works, sometimes lyrical, in which the colour is applied in a flat way, never dribbling the limits of the line: the same way it happens in the works of Capogrossi and in Burri’s silkscreens. Indeed, the imagery of Afro was met between 1952 and 1953 with “the profound suggestions of the painfully painting”of Gorky, adding, thus, dreamlike atmospheres to his sign scene, linked to the sphere of the memory and aimed to the research of a truth”. And, paraphrasing Enrico Crispolti, the way we can agree to the fact that Burri’s graphics research of 1967-68 anticipated Afro’s pictorial choices in the Seventies, we can also agree on the fact that Afro’s rich chromaticism, particularly in aquatint and etching since the first half of the Seventies, inspired in turn the Burriana colouristic explosion in the Eighties.
Therefore, the selected works demonstrate the research path of the four artists, highlighting similitudes and contrasts. In their development the outcomes tend to free the sign in colour-sign, free the chromatic fluency highlighting their individuality, which simultaneously is historically informal and strongly formalistic.
In the itinerary of the exhibition the attention will be put on books with the graphics by the four artists. From Saffo and Variazioni by Aberto Burri (Emilio Villa, but also the relationship with Ungaretti), and from the Heritage of Dante with Lucio Fontata (by Luigi Cavallo) to the aquatints and etching by Afro combined with Baudelaire’s lyric poems, until Capogrosso’s illustrations for Eugène Ionesco.
Together with the corpus of multiples, drawings and series, there will be also a unique work for each artist, which represents the pictorial path and the continuity with the graphics work.
Finally, a space, charged of a huge visual impact, will be dedicated to a documental and historical-artistic collection. The historical, anthropological and artistic context of the post Second World War period in Italy will be rebuilt through the use of multimedia devices, the showing of videos, the use of photographs and touch-screens, but also by showing texts and declarations by each artist together with the ones by well-known critics who had reflected on the term “Informal” and on its implications.
The images of the artists at work will be taken from documentaries and historical shots, especially from important documents from the archive of Valter and Eleonora Rossi.

Grafiche scelte, multipli, libri, disegni e una selezione di opere uniche di Burri, Fontana, Capogrossi e Afro tracciano un percorso per risalire una delle stagioni più tragiche e allo stesso modo sublimi dell’arte italiana e internazionale: l’Informale. Categorizzazione quanto più discussa, fluida, che nell’antinomia di astrazione e figurazione ha sviluppato la libertà del gesto, ha esplorato le sperimentazioni delle materie e, rinunciando alla raffigurazione di un soggetto ormai in crisi per una Storia inumana e brutale, ha continuato a presentificarne la sensazione.

Alla fine della Seconda guerra mondiale, l’arte si interroga sulla plausibilità e la possibilità di rappresentare ancora un mondo le cui stesse elementari strutture dell’esistenza ed del suo senso si sono frantumate sotto i colpi della violenza e della sopraffazione, e del dolore da queste generato. Le religioni, mostruosamente secolarizzate in ideologie ed epiche di disumana aggressività, spalancano un abisso di universi immaginari che spinge all’esplorazione di elementi primigeni ed epifanici come la materia, lo spazio, il colore, la superficie e la profondità. Insomma la forma e le forme liberate dalle “figure” di un mondo ormai alieno da ricomporre in una sorta di futuribile nuovo rinascimento: come nelle parole di Giulio Carlo Argan l’Informale diviene la «risposta dell’arte al modo inautentico di vita ch’è stato imposto agli uomini».

I lavori di Burri, Fontana, Capogrossi e Afro dimostrano la risposta dell’arte, o meglio le sue declinazioni espressive, non più in relazione a necessità estetiche, bisogni etici o istanze collettive. «La grande svolta fu quando si decise di dipingere, solo di dipingere. […] L’artista, ormai solo, non voleva cambiare il mondo, desiderava soltanto che il suo quadro fosse un mondo» (Rosenberg).

In maniera anti-accademica, anche se consapevole delle proprie tradizioni – Sweeney ricorda Afro come «artista tradizionale nel senso migliore della parola» –, gli autori in mostra mettono in relazione dialettica le possibilità della forma e dell’informe, del gesto e del segno, dell’esperienza e del processo, per ricomporre quel mondo ormai in frantumi, in cui la validità di tempo, spazio e soggettività si vanno perdendo o modificando. Ne emergono esiti differenti, referenziali, anarchici, in cui non trovano più ragione le divisioni tra dipinto, scultura, grafica e disegno.

Per tutti gli autori in mostra la grafica non ha rappresentato un’attività secondaria e collaterale alla pittura ma è stata una ricerca indipendente, anche se a volte non del tutto parallela (Afro si avvicina alle tecniche litografiche e poi calcografiche nella parte finale del suo percorso), attraverso la quale essi hanno potuto sperimentare ancora tecniche, intessere collaborazioni (storiche, ad esempio, quelle con la Stamperia Castelli e la 2RC), contare su una maggiore circolazione delle
opere ed elaborare ancora più approfonditamente il segno e il gesto come elementi fondanti della poetica.

Le grafiche di Alberto Burri e quelle di Lucio Fontana rimodellano l’idea di materia e dunque di spazio. Le Combustioni del primo simulano, attraverso l’acquatinta, l’acquaforte e le incisioni, gli effetti del fuoco. I lavori del secondo, contraddistinti da una “semplicità pura”, lasciano emergere una superficie e una materia che aspirano allo spazio. In Lucio Fontana il tentativo di invenzione figurativa si unisce alla riduzione astrattivista e le opere su carta sono centrali nella sua produzione, addirittura costituendo il primo teatro dei suoi buchi e tagli.

Uno spazio non geometrico, ma esperito, quello di Giuseppe Capogrossi, la cui ricerca – utopica, colma di varianti, tesa a una contrastante unitarietà – si sviluppa attorno a un eterno ritorno: il segno del tridente che, frammento e al tempo stesso modello di infinito, disegna un continuo spazio-temporale, progressivo e mutevole. «Il particolarissimo informale di Capogrossi nasceva già come fortissima istanza civile e morale dalle macerie del secondo dopoguerra, in quella Roma che era stata ‘città aperta’ … , ponendosi come ipotesi di una ricostruzione integrale delle stesse relazioni umane. Una visione positiva, che nel segno, distillato con pazienza e ostinazione dalla realtà delle elazioni tra le cose, riconosce la cellula generativa possibile di una sequenziale, modulare, iterativa adesione diretta al divenire della vita, sezionandone gli istanti come molecole di azioni” (Francesca Pola).

E poi le grafiche di Afro, realizzate a partire dagli anni Cinquanta, opere composte, talvolta liriche, in cui il colore si stende piatto, aderente ai limiti della linea, come accade in Capogrossi e nelle serigrafie di Burri. L’immaginario di Afro si era infatti incontrato tra il 1952 e il 1953 con “le suggestioni profonde della pittura dolorosamente confessiva” di Gorky, aggiungendo così al suo panorama segnico atmosfere oniriche, legate alla sfera del ricordo e tese alla ricerca di una verità soltanto propria, non della “Storia” ma di una “storia” tutta interiore. E, parafrasando Enrico Crispolti, così come si può ritenere che la ricerca grafica di Burri del 1967-68 – in ampie circoscrizioni formali nette, sia bianche sia nere e poi colorate – anticipò le scelte pittoriche di Afro negli anni Settanta, così si può pensare che la ricchezza d’invenzione cromatica di Afro, soprattutto nelle acquetinte e nelle acqueforti deglla prima metà degli anni Settanta, a sua volta sollecitò l’esplosione coloristica burriana negli anni Ottanta.

Le opere selezionate dimostrano dunque il percorso di ricerca, talvolta aderente, dei quattro artisti, evidenziandone similitudini e contrasti. Nel loro sviluppo gli esiti tendono a liberare il segno in segno-colore, libera e risonante fluenza cromatica, evidenziando la loro individualità sì, storicamente informale, ma al contempo fortemente formalistica.

Nel percorso della mostra si presterà attenzione ai libri illustrati da grafiche dagli stessi artisti. Da Saffo e Variazioni di Alberto Burri (Emilio Villa, ma anche il rapporto con Ungaretti) e dall’Eredità di Dante con Lucio Fontana (di Luigi Cavallo) alle acqueforti e acquetinte di Afro che accompagnano le liriche di Baudelaire, fino alle illustrazioni di Capogrossi per Eugène Ionesco.

Presente, assieme al corpus di multipli, disegni e serie, anche un’opera unica per ciascun artista, rappresentativa del percorso pittorico e della continuità con l’opera grafica.

Infine uno spazio, di grande impatto visivo, sarà dedicato ad una raccolta documentaria e storico-artistica. Attraverso supporti multimediali, videoproiezioni, fotografie e schermi touchscreen verrà ricostruito il contesto storico, antropologico, artistico del secondo dopoguerra italiano, mostrando testi e dichiarazioni di ogni autore insieme a quelle di illustri critici che hanno riflettuto sul termine “Informale” e sulle sue implicazioni.
Le immagini degli artisti al lavoro, saranno tratte da documentari e storici filmati, in particolar modo dagli importanti documenti provenienti dall’archivio di Valter ed Eleonora Rossi.

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