Selected graphic works, multiples, books, drawings and a selection of unique works by Burri,Fontana, Capogrossi and Afro trace a path to one of the most tragic and equally sublime seasons of Italian and international art: the Informal. The category itself is much debated, indeed it is a fluid one: Informal art developed the freedom of gesture in the antinomy of abstraction and figuration, exploring and experimenting with materials and, abstaining from the representation of a subject in crisis brought on by an inhuman and brutal History, it continued working on the presentification of its sensations.

At the end of the Second World War, art questioned the plausibility and the possibility of representing a world whose very elementary structures of existence and meaning had been shattered under the blows of violence and oppression, and the suffering generated by these. Religions, which
had become monstrously secularised into ideologies and epic narratives of inhuman aggressiveness, opened up an abyss made up of imaginary universes, leading to the exploration of primitive and epiphanic elements such as matter, space, colour, surface and depth. Forms, forms freed from “figures” of a world now alien to be recomposed in a sort of futuristic new renaissance: as described
by Giulio Carlo Argan Informal art was the “response of art to the inauthentic way of life that has been imposed upon man.”

The works of Burri, Fontana, Capogrossi and Afro illustrate the response of art, or rather its expressive articulations, no longer related to aesthetic needs, ethical requirements or collective issues. “The great turning point was when it was decided to paint, only to paint. […] The intention of the artist, now alone, was not to change the world, his only desire was for his painting to be a world” (Rosenberg).

In an anti-academic way, although aware of the traditions they descended from – Sweeney described Afro as a “traditional artist in the best sense of the word” –, the authors on display create a dialectical relation between the possibilities of form and formlessness, gesture and sign, experience and process, in an attempt to recompose the shattered world, in which the validity of time, space and subjectivity are being lost or modified. The outcomes are different, referential, anarchic. They reflect the fact that distinctions between painting, sculpture, graphics and drawing are no longer valid.

For all the authors in the exhibition, graphic work was not a secondary and collateral activity to painting, but an independent research, even though sometimes not completely parallel (Afro approached lithographic techniques and then chalcography in the final part of his career), through which they were able to renew their experiments with techniques, develop collaborations (for
instance the historical collaboration with the Stamperia Castelli and 2RC), rely on a greater circulation of their works and further elaborate sign and gesture as founding elements of their poetics.

The graphic works of Alberto Burri and those of Lucio Fontana remodel the idea of matter and therefore of space. Burri’s Combustioni simulate, through aquatint, etching and engravings, the effects of fire. The works of the Fontana, characterised by “a pure simplicity”, allow surface and matter to emerge that aspire to space. In Lucio Fontana’s works the attempt at figurative invention is combined with abstract reduction and the works on paper are central to his production, as they witness the first experiments with holes and cuts.

That of Giuseppe Capogrossi is a non-geometrical space, the object of experience. His research, which is utopian, full of variations, aimed at a contrasting unity, develops around an eternal return: his tridents, fragments but also models of infinity, trace a continuous space-time, that is progressive and changing. “Capogrossi’s very particular Informal was characterised from the beginning by a very strong civil and moral stance, stemming from the rubble of the second post-war period, in a Rome that had been an ‘open city’ …, developing as a hypothesis of an integral reconstruction of human relations. A positive vision, in which signs, distilled with patience and obstinacy from the reality of relations between things, recognise the possible generative cell of a sequential, modular, iterative direct adherence to the becoming of life, dissecting its moments like molecules of actions” (Francesca Pola).

Also on display are Afro’s graphic works, created starting from the Fifties: they are composite works, sometimes lyrical, where colour spreads flatly, adhering to the limits of the lines, as in Capogrossi and in Burri’s serigraphs. Between 1952 and 1953 Afro’s imagery had in fact been influenced by “the profound suggestions of Gorky’s painfully confessional painting”, thus adding dreamlike atmospheres to his repertoire of signs, linked to the sphere of memory and aimed at the search for a truth that was his own, not related to “History”, but to an entirely inner “story”. Also, paraphrasing Enrico Crispolti, just as Burri’s graphic research carried out in the years 1967-68 – in large formal and sharp sections, both black and white and then coloured – anticipated Afro’s pictorial choices in the Seventies, so it is possible to say that the richness of Afro’s chromatic invention, especially in the aquatints and etchings of the first half of the Seventies, in turn stimulated the explosion of colour in the works by Burri in the Eighties.

The selected works thus demonstrate the research trajectories, sometimes very close, of the four artists, highlighting similarities and contrasts. The outcomes of these developments tend to liberate the sign turning it into a sign-colour, creating a free and resonant chromatic fluency, highlighting their individuality, which was historically informal, but at the same time strongly formalistic.

The exhibition pays great attention to the books illustrated with graphic works by the artists. From Saffo e Variazioni by Alberto Burri (Emilio Villa, but also the relationship with Ungaretti) and from L’eredità di Dante with Lucio Fontana (by Luigi Cavallo) to the etchings and aquatints by Afro that accompany Baudelaire’s poetry, to the illustrations by Capogrossi for Eugène Ionesco.

Also on display, together with the corpus of multiples, drawings and series, also a unique work by each artist, representative of the pictorial research and of the continuity with the graphic work.

Finally, a space of great visual impact is dedicated to a documentary and historical-artistic collection. Using multimedia supports, video projections, photographs and touchscreens, the historical, anthropological and artistic context of the Italian post-war period is reconstructed, showing texts and statements by each author together with those of illustrious critics who have reflected on the term “Informal” and its implications.
The images of the artists at work are taken from documentaries and historical films, in particular from important records from the archives of Valter and Eleonora Rossi.

Grafiche scelte, multipli, libri, disegni e una selezione di opere uniche di Burri, Fontana, Capogrossi e Afro tracciano un percorso per risalire una delle stagioni più tragiche e allo stesso modo sublimi dell’arte italiana e internazionale: l’Informale. Categorizzazione quanto più discussa, fluida, che nell’antinomia di astrazione e figurazione ha sviluppato la libertà del gesto, ha esplorato le sperimentazioni delle materie e, rinunciando alla raffigurazione di un soggetto ormai in crisi per una Storia inumana e brutale, ha continuato a presentificarne la sensazione.

Alla fine della Seconda guerra mondiale, l’arte si interroga sulla plausibilità e la possibilità di rappresentare ancora un mondo le cui stesse elementari strutture dell’esistenza ed del suo senso si sono frantumate sotto i colpi della violenza e della sopraffazione, e del dolore da queste generato. Le religioni, mostruosamente secolarizzate in ideologie ed epiche di disumana aggressività, spalancano un abisso di universi immaginari che spinge all’esplorazione di elementi primigeni ed epifanici come la materia, lo spazio, il colore, la superficie e la profondità. Insomma la forma e le forme liberate dalle “figure” di un mondo ormai alieno da ricomporre in una sorta di futuribile nuovo rinascimento: come nelle parole di Giulio Carlo Argan l’Informale diviene la «risposta dell’arte al modo inautentico di vita ch’è stato imposto agli uomini».

I lavori di Burri, Fontana, Capogrossi e Afro dimostrano la risposta dell’arte, o meglio le sue declinazioni espressive, non più in relazione a necessità estetiche, bisogni etici o istanze collettive. «La grande svolta fu quando si decise di dipingere, solo di dipingere. […] L’artista, ormai solo, non voleva cambiare il mondo, desiderava soltanto che il suo quadro fosse un mondo» (Rosenberg).

In maniera anti-accademica, anche se consapevole delle proprie tradizioni – Sweeney ricorda Afro come «artista tradizionale nel senso migliore della parola» –, gli autori in mostra mettono in relazione dialettica le possibilità della forma e dell’informe, del gesto e del segno, dell’esperienza e del processo, per ricomporre quel mondo ormai in frantumi, in cui la validità di tempo, spazio e soggettività si vanno perdendo o modificando. Ne emergono esiti differenti, referenziali, anarchici, in cui non trovano più ragione le divisioni tra dipinto, scultura, grafica e disegno.

Per tutti gli autori in mostra la grafica non ha rappresentato un’attività secondaria e collaterale alla pittura ma è stata una ricerca indipendente, anche se a volte non del tutto parallela (Afro si avvicina alle tecniche litografiche e poi calcografiche nella parte finale del suo percorso), attraverso la quale essi hanno potuto sperimentare ancora tecniche, intessere collaborazioni (storiche, ad esempio, quelle con la Stamperia Castelli e la 2RC), contare su una maggiore circolazione delle
opere ed elaborare ancora più approfonditamente il segno e il gesto come elementi fondanti della poetica.

Le grafiche di Alberto Burri e quelle di Lucio Fontana rimodellano l’idea di materia e dunque di spazio. Le Combustioni del primo simulano, attraverso l’acquatinta, l’acquaforte e le incisioni, gli effetti del fuoco. I lavori del secondo, contraddistinti da una “semplicità pura”, lasciano emergere una superficie e una materia che aspirano allo spazio. In Lucio Fontana il tentativo di invenzione figurativa si unisce alla riduzione astrattivista e le opere su carta sono centrali nella sua produzione, addirittura costituendo il primo teatro dei suoi buchi e tagli.

Uno spazio non geometrico, ma esperito, quello di Giuseppe Capogrossi, la cui ricerca – utopica, colma di varianti, tesa a una contrastante unitarietà – si sviluppa attorno a un eterno ritorno: il segno del tridente che, frammento e al tempo stesso modello di infinito, disegna un continuo spazio-temporale, progressivo e mutevole. «Il particolarissimo informale di Capogrossi nasceva già come fortissima istanza civile e morale dalle macerie del secondo dopoguerra, in quella Roma che era stata ‘città aperta’ … , ponendosi come ipotesi di una ricostruzione integrale delle stesse relazioni umane. Una visione positiva, che nel segno, distillato con pazienza e ostinazione dalla realtà delle elazioni tra le cose, riconosce la cellula generativa possibile di una sequenziale, modulare, iterativa adesione diretta al divenire della vita, sezionandone gli istanti come molecole di azioni” (Francesca Pola).

E poi le grafiche di Afro, realizzate a partire dagli anni Cinquanta, opere composte, talvolta liriche, in cui il colore si stende piatto, aderente ai limiti della linea, come accade in Capogrossi e nelle serigrafie di Burri. L’immaginario di Afro si era infatti incontrato tra il 1952 e il 1953 con “le suggestioni profonde della pittura dolorosamente confessiva” di Gorky, aggiungendo così al suo panorama segnico atmosfere oniriche, legate alla sfera del ricordo e tese alla ricerca di una verità soltanto propria, non della “Storia” ma di una “storia” tutta interiore. E, parafrasando Enrico Crispolti, così come si può ritenere che la ricerca grafica di Burri del 1967-68 – in ampie circoscrizioni formali nette, sia bianche sia nere e poi colorate – anticipò le scelte pittoriche di Afro negli anni Settanta, così si può pensare che la ricchezza d’invenzione cromatica di Afro, soprattutto nelle acquetinte e nelle acqueforti deglla prima metà degli anni Settanta, a sua volta sollecitò l’esplosione coloristica burriana negli anni Ottanta.

Le opere selezionate dimostrano dunque il percorso di ricerca, talvolta aderente, dei quattro artisti, evidenziandone similitudini e contrasti. Nel loro sviluppo gli esiti tendono a liberare il segno in segno-colore, libera e risonante fluenza cromatica, evidenziando la loro individualità sì, storicamente informale, ma al contempo fortemente formalistica.

Nel percorso della mostra si presterà attenzione ai libri illustrati da grafiche dagli stessi artisti. Da Saffo e Variazioni di Alberto Burri (Emilio Villa, ma anche il rapporto con Ungaretti) e dall’Eredità di Dante con Lucio Fontana (di Luigi Cavallo) alle acqueforti e acquetinte di Afro che accompagnano le liriche di Baudelaire, fino alle illustrazioni di Capogrossi per Eugène Ionesco.

Presente, assieme al corpus di multipli, disegni e serie, anche un’opera unica per ciascun artista, rappresentativa del percorso pittorico e della continuità con l’opera grafica.

Infine uno spazio, di grande impatto visivo, sarà dedicato ad una raccolta documentaria e storico-artistica. Attraverso supporti multimediali, videoproiezioni, fotografie e schermi touchscreen verrà ricostruito il contesto storico, antropologico, artistico del secondo dopoguerra italiano, mostrando testi e dichiarazioni di ogni autore insieme a quelle di illustri critici che hanno riflettuto sul termine “Informale” e sulle sue implicazioni.
Le immagini degli artisti al lavoro, saranno tratte da documentari e storici filmati, in particolar modo dagli importanti documenti provenienti dall’archivio di Valter ed Eleonora Rossi.